В ГМИИ им. А.С.Пушкина 10 октября 2017 года открылась выставка графических работ крупнейших представителей австрийского искусства начала XX века Густава Климта (1862–1918) и Эгона Шиле (1890–1918). Выставка состоится в рамках Года туризма Россия – Австрия 2017, который был анонсирован в Вене 12 января 2017 года.


На первой в России масштабной выставке произведений Климта и Шиле будет показано около 100 листов из собрания музея Альбертина (Вена) – 47 работ Густава Климта и 49 – Эгона Шиле. Эти работы относятся к разным периодам творчества художников и представляют разные типы рисунка – этюды фигур, связанные с живописными работами, портреты, самостоятельные этюды обнаженной женской модели и т. п.

Используя традиционные графические техники – черный мел, графитный карандаш, акварель, гуашь, – художники решали новые эстетические задачи, стоявшие перед ними на рубеже XIX и XX столетий.

Густав Климт, главный представитель венского модерна, пользовался репутацией феноменального рисовальщика, который обеспечил себе совершенно особое место не только в австрийском, но и в мировом искусстве. Его рисунки оказали влияние на творчество более молодых художников, в первую очередь – Эгона Шиле, который начинал карьеру в то время, когда Климт уже достиг вершины своего творчества. Усвоив опыт своего предшественника, Шиле очень рано обрел собственный неповторимый стиль, который знаменовал переход от модерна к экспрессионизму.

Работы Густава Климта и Эгона Шиле появились в Альбертине еще при жизни художников. За сто лет количество рисунков Климта в собрании музея достигло 170, а Шиле – 140; к этому можно добавить около 40 листов, поступивших в Альбертину на долговременное хранение.

Рисунки Климта пользовались огромной популярностью среди знатоков искусства и коллекционеров в годы непосредственно до и после его кончины (художник ушел из жизни в 1918 году). Со временем Климт-рисовальщик оказался в тени Климта-живописца, но в наши дни изучение его графического наследия позволило в полной мере оценить роль рисунка в творчестве мастера. После смерти Климта в его ателье осталось около 2500 рисунков – то, что не было им самим продано, раздарено или уничтожено. Всего же в настоящее время известно более 4000 рисунков художника.

Значительная часть рисунков Климта связана с тем или иным живописным произведением мастера. Сам художник практически никогда не высказывался о своих творческих замыслах ни устно, ни письменно. Именно рисунки позволяют понять метод его работы, процесс создания картины или росписи. Климт уделял большое внимание подготовительным этюдам для каждой фигуры в своих многофигурных живописных композициях. Иногда возникали целые серии, посвященные одному и тому же мотиву или позе.

Обширную категорию рисунков на выставке составляют этюды для женских портретов (портреты Серены Ледерер, Паулы Цукеркандль и др.). В этих подготовительных работах Климт стремился найти такую позу модели и такую композицию портрета в целом, которые наилучшим образом выражали бы личность портретируемой через призму восприятия художника.

Климт произвел революцию в изображении обнаженной женской натуры. В откровенной трактовке эротики он в своих рисунках пошел гораздо дальше, нежели в живописи. Некоторые этюды такого рода возникли в связи с работой Климта над живописными композициями, но большая их часть имеет автономный характер («Лежащая обнаженная»).

Графический стиль Климта претерпевал изменения на протяжении его жизни. Ранние рисунки демонстрируют основательную академическую выучку; они отличаются почти фотографической детализацией. Но в них уже проявляется то, что станет константой графического стиля Климта – главенство линейного начала, выразительность контура, в котором точность соединяется с чувственностью. Отдельную страницу в наследии Климта составляют рисунки для журнала «Ver Sacrum» (1898), построенные на контрастах черного и белого («Буквица D»); они могут считаться эталонными образцами стилистики модерна в графике. Со временем в его работах усиливается элемент стилизации и геометризации формы.

Приблизительно с 1897 года Климт рисовал черным мелом на листах коричневой оберточной бумаги, а позднее, около 1903–1904 годов стал использовать более гладкую японскую бумагу в сочетании с графитным карандашом («Сидящая полуобнаженная»). Жесткие и точные линии графита, следы которого обладают легким металлическим блеском, определяют характер рисунков, которые хронологически соответствуют «золотому стилю» в живописи («Стоящая обнаженная, беременная») В последующие годы (примерно после 1908 и особенно после 1910) в рисунках Климта намечается перелом в сторону большей свободы, раскованности и «живописности» линий, которые временами становятся прерывистыми и нервными, передающими внутреннее волнение художника («Стоящая с опущенными руками»).

Рисовальный стиль Климта, основанный на выразительности контурной линии, стал образцом для Эгона Шиле. Опыт декоративной стилизации натуры, накопленный венским модерном, был переосмыслен и применен для решения новых задач, поставленных эстетикой экспрессионизма.

Cам Шиле считал себя в первую очередь живописцем и хотел, чтобы таковым его и воспринимали. Однако в глазах многих критиков и любителей искусства Шиле-рисовальщик нередко заслоняет собой Шиле-живописца. Линия и контур играют настолько существенную роль в живописи Шиле, что рисунок может считаться основой его живописных работ. Он оставил около 3000 работ на бумаге – рисунков, акварелей, гуашей.

Представленные в экспозиции самые ранние рисунки Шиле, относящиеся к 1906 году («Автопортрет», «Бюст Вольтера») задают точку отсчета, позволяющую оценить стремительную эволюцию, которую претерпело его творчество в последующие годы. Серия эскизов почтовых открыток (около 1909) свидетельствует о том, что к тому времени художник уже освоил стилистику Сецессиона и Венских мастерских, которая отличалась декоративностью и геометрической стилизацией; в этот период он находился под сильным влиянием Густава Климта.

Но начиная со второй половины 1909 года Шиле постепенно освобождается от этого влияния; в 1910 году он окончательно обретает свой собственный оригинальный стиль. На смену декоративности и элегантности приходят экспрессия и эмоциональная напряженность («Художник Макс Оппенгеймер»). Экспрессивный контур становится главным средством выразительности в рисунках Шиле. Переход от модерна к экспрессионизму был ознаменован отрицанием «красоты» в трактовке идеалистической эстетики; он означал стирание границ между прекрасным и безобразным. Пределы искусства расширяются, оно вбирает в себя то, что раньше считалось антиэстетическим («Сидящая женщина»). В своих акварелях и гуашах Шиле использует цвет для усиления эмоционального воздействия произведения. В некоторых работах 1913 и 1914 годов штрих становится угловатым и «колючим».

На протяжении последующих лет (1915–1917) в рисунках Шиле нарастает тенденция к реализму, к передаче объема и пластики («Обнаженная, лежащая на животе»). В рисунках 1918 года культивируется непрерывная линия контура, очерчивающая сразу всю фигуру – чистый контур, лишь иногда местами дополненный скупой штриховкой. Шиле достигает безошибочной точности линий, лаконизма и экономии изобразительных средств («Лежащая обнаженная с поджатыми ногами»).

В период около 1910–1911 годов Шиле часто и охотно рисовал детей – их изображения относятся к числу первых экспрессионистических работ Шиле («Девочка в охристо-желтом платье»). В наследии Шиле-рисовальщика много портретов; очень часто это люди из его «ближнего круга».

Совершенно особый феномен в истории искусства – многочисленные автопортреты Шиле. Художник создает разные образы самого себя, примеряет «маски», разыгрывает роли, гримасничает; в некоторых автопортретах он изображает себя обнаженным. Все это – визуальные символы хрупкости своего «я», распадающегося на несовместимые составляющие. Шиле придавал большое значение экспрессивным жестам, позам и мимике – своим собственным (в автопортретах) и своих персонажей. Язык тела у Шиле придуман и инсценирован им самим; позы моделей не являются естественным проявлением реальных эмоций, а продиктованы художником («Автопортрет в обнаженном виде, гримаса»).

Значительная часть работ Шиле на бумаге посвящена женским моделям, чаще всего обнаженным. Подобно Родену и Климту, он рисовал женщин у себя в ателье, наблюдая за их поведением. Для Шиле не было запретов при изображении женщин. Все табу были сняты. Предельная откровенность в трактовке эротических мотивов была возведена в эстетический принцип («Сидящая обнаженная»).

Фигуры в рисунках Шиле вырваны из социального и бытового контекста, помещены в абстрактное поле листа, где отсутствуют какие-либо ориентиры; его персонажи существуют вне времени и пространства.

В наследии Шиле-рисовальщика совершенно особое место занимают тринадцать акварелей и рисунков, сделанных им во время тюремного заключения весной 1912 года, которое он пережил как оскорбительное посягательство на свою свободу; из них на выставке показываются два листа («Наружная дверь», «Мой путь пролегает над бездной»), имеющие характер подлинных документальных свидетельств.

Виталий Александрович Мишин, куратор выставки: «Думаю, для многих российских зрителей эта выставка станет открытием новых эстетических горизонтов. Она расширит привычные представления о красоте, выразительности и, может быть, даже о границах дозволенного в искусстве. В нашей стране, в силу разных исторических обстоятельств, гораздо лучше знают парижский авангард начала XX века, нежели художественную жизнь Вены “около 1900 года”. Это относится и к рисунку, несмотря на то, что и Густав Климт и Эгон Шиле давно признаны одними из самых выдающихся рисовальщиков в истории искусства. Но чтобы оценить чисто графическую прелесть и мощную энергетику этих произведений, их надо увидеть своими глазами: репродукции в книгах и в интернете не передают и малой доли художественных качеств, присущих рисункам этих великих австрийских мастеров. Экспозиция в залах ГМИИ, основанная на богатейшем собрании Альбертины, предоставит нам такую редкую возможность, позволит глубже понять эволюцию творчества обоих мастеров, художественный метод и неповторимый эстетический мир каждого из них».

Кураторы проекта: Виталий Мишин (ведущий научный сотрудник Отдела искусства стран Европы и Америки XIX – XX веков ГМИИ им. А.С. Пушкина) и Кристоф Мецгер (Музей Альбертина, Вена).

Фото: Сергей Петров

Комментарии